Wenn der Süden gegen den Norden... Kritik: Gettysburg

Wie jeder oder mancher weiß, gab es in Amerika vor 150 Jahren mal einen Krieg, den amerikanischen Bürgerkrieg. Um was geht's? Ich will hier keine Geschichtsstunde machen, obwohl ich weiß, dass das nicht der einzige Grund war, aber dennoch: Norden ist gegen Sklaverei, Süden dafür. Keine Einigung, also Krieg. Ja, und in diesem Krieg, der vier Jahre dauerte gab es eine ziemlich große Schlacht, nämlich die Schlacht von Gettysburg anno 1863. War eine ziemlich wichtige Schlacht, die der Süden verlor, und die sowas wie der Wendepunkt zugunsten des Nordens war. Und da der Bürgerkrieg sich tief ins kollektive Gedächtnis der Amerikaner eingebrannt hat, da es bis heute der verlustreichste Krieg, an dem die Amerikaner beteiligt waren, ist, war es natürlich selbstredend, dass diese Ereignisse auch mal verfilmt werden. Und dies geschah Anfang der Neunziger, nämlich mit dem Film Gettysburg, der für mich mittlerweile eine Perle unter all den Historienfilmen geworden ist.

Dieser Film erscheint mit seiner Laufzeit von vier Stunden nicht sehr zugänglich, doch ich muss zugeben, ich mag sowas, Filme, die viel erzählen und die ruhig mal eine ausufernde Laufzeit haben. Dazu kommt noch, dass ich sowieso ein Fan von Historienfilmen bin und dass ich Gettysburg inszenatorisch und erzählerisch einfach klasse finde. Denn viele Filme, die sich mit einer historischen Schlacht auseinandersetzen konzentrieren sich nur auf das Gemetzel, doch dieser nicht. Dieser Film lebt von seiner Liebe zum Detail. Er konzentriert sich auch auf die Vorgeschichte der Schlacht. Die Handlung wird jeweils aus Sicht der Nordstaaten und aus Sicht der Südstaaten erzählt, ohne dass der Film dabei Partei für eine Seite ergreift. Der Zuschauer erlebt das Gesehene förmlich, man sitzt mit den Soldaten am Lagerfeuer und lauscht ihren Gesprächen. Sitzt mit den Generälen bei der Lagebesprechung und zum Schluss gipfelt das alles in einer großartig inszenierten Schlacht, die ihresgleichen sucht. Bei solchen Filmen kann aber oftmals auch vieles schief gehen. Sie können das Ganze zu sehr glorifizieren und auch in ein falsches Licht rücken. Doch hier nicht. Natürlich bekommt man hier auch Sachen wie „Wir werden heldenhaft sterben“ zu hören, doch das war damals halt die Einstellung vieler Beteiligter. Der Film schafft es aber auch zu zeigen, was für eine Tragödie der Bürgerkrieg war. Viele Beteiligte müssen gegen frühere Freunde und Verwandte kämpfen, nur weil diese im Norden oder im Süden leben. Dem Zuschauer wird einfach vermittelt, was für ein unnötiger, aber irgendwie auch unvermeidbarer, Krieg das war. Es werden oftmals die Differenzen der zwei Landesteile verdeutlicht, doch immer wieder wird gezeigt, dass sie doch eigentlich vom selben Schlag sind und dieser Krieg mehr oder weniger ein Witz ist und gegen die Ideale verstößt, auf die sich die Amerikaner immer gestützt haben.

Das macht Gettysburg natürlich noch lange nicht zu einem Antikriegsfilm – das will der Film auch gar nicht sein. Es zeigt aber auch, dass Gettysburg kein Pathosspektakel ist, sondern eine authentische Darstellung der Ereignisse. Hier wirkt einfach alles wie aus der damaligen Zeit. Jede Uniform, jede Fahne, jede Kanone, alles verdeutlicht, mit was für einer Liebe zum Detail dieser Film, der darüber hinaus auch an den original Schauplätzen der damaligen Schlacht gedreht wurde, gemacht ist. Auch der Cast, unter dem sich Namen wie Martin Sheen, Sam Elliott und Jeff Daniels befinden, mach seine Sache wirklich hervorragend, man merkt einfach, dass dieser Film jedem einzelnen der Beteiligten wirklich am Herzen lag. Er ist schlichtweg überwältigend, sowohl von der schauspielerischen Leistung des Casts und der Laufzeit, als auch von der grandiosen Optik. Hier wird auf große Special Effects verzichtet und dafür werden dem Zuschauer grandiose Panoramaaufnahmen der Schlacht, sowie der Umgebung präsentiert. Wahrlich herrliche Bilder, die nicht auf Hochglanz poliert sind, aber dennoch eine wunderbare Symbiose aus Licht und Naturaufnahmen bilden. Die Kamera begleitet das Geschehen sehr ruhig, sodass sich die erzählerische Wucht des Films des Films voll und ganz entfalten kann. Hektische Schnitte sind hier auch nicht vorhanden, was dem Film noch mehr zu Gute kommt, denn so kann er sich die Zeit nehmen, die er braucht, um seine Geschichte zu erzählen. Und dies schafft er über die vier Stunden, von denen sich jede einzelne Minute lohnt, und die zu keiner Stelle langweilig werden. Dafür ist der Film einfach viel zu schön gemacht.

Jedoch muss ich jetzt auch einmal aus dem Schwärmen herauskommen und sagen: Gettysburg ist nicht für jeden so ein tolles Erlebnis, wie für mich. Man muss sich für eine solche Art von Film und deren historische Thematik begeistern lassen, wer das nicht kann, der soll es am besten gleich bleiben lassen, das wären vier vergeudete Stunden. Doch, wie gesagt, ich mag solche Filme einfach. Sicher ist Gettysburg keiner der Filme, die ich mir immer anschauen kann, doch von Zeit zu Zeit landet er immer wieder mal im Player. Und immer wieder schafft er es mich zu begeistern. Gettysburg ist einfach ganz großes Kino.

8,0 / 10

Autor: MacReady

Coppolas goldenes Tribut an die strahlenden Rebellen des Kinos - Kritik: The Outsiders

»Nichts Goldenes bleibt. Nichts ist von Dauer.« - (Robert Frost). Ich muss gestehen, ich hatte im besonderen Sinne schon immer eine gewisse Bewunderung für Francis Ford Coppola und dessen Werke, nicht etwa nur wegen seinen unvergessenen Meilensteinen von  »The Godfather« bis »Apocalypse now«, auf die man ihn eh nicht nur reduzieren sollte, da dies ignorant wäre, sondern viel mehr noch für seine kleineren Werke, seine Herzensfilme, ob nun entweder mein absoluter Favorit darunter mit »The Conversation«, den Film Noir zitiertenden »Cotton Club« oder einfach nur einen Film, in dem dem Coppola Jeff Bridges wieder vom amerikanischen Traum hoffen ließ. Bekennender Fan. Wunderbare Filme, die sich meist aus Coppolas Sicht größtenteils so auch als eher unabhängigere Produktionen seitens des Regisseur zu betrachten wären - oder auch als Kassenflops. So zählt unter Berücksichtigung dessen auch Coppolas »The Outsiders« - nach gleichnamigen Roman von Susan E. Hinton - aus dem Jahre 1983 dazu. Einer von Coppolas im späteren häufiger auftretenden Hommagefilmen. Hierbei mit direktem Fokus auf die 50er und 60er Jahre Amerikas, die Zeit der amerikanischen Rebellen des Kinos. Jenen Gedanken führte Coppola im übrigen auch im selbigen Jahr mit »Rumble Fish« fort, in dem er die 70er und 80er Jahre mit der Jugend- und Zeitproblematik porträtierte.

Ich entschuldige, wenn ich ins schwärmen geraten sollte, doch wie man erwarten darf, reflektiert Coppola diese Zeit (Datum: 1966 mit Zitaten) auf ihre kraftvollste und ausdrucksstärkste Seite. Die Bilder strahlen wie eh und je - in diesen zeichnet Coppola nicht nur perfektionistisch das Zeitgefühl dieser Generation ab, sondern zeigt auch mit Bild und Ton die ungestüme, wilde Freiheit - wenngleich er somit diese Zeitperiode zweifelsfrei aufs höchste glorifiziert. Diese goldet aber auch. Zeitgeist allseits präsent. Dafür auch äußerst detailreich und liebevoll rekonstruiert.

Was Coppola anzettelt? Als Mittäter der Film und das Buch (im Stile von Francois Truffaut): Logisch, die filmische Nostalgie der Jugend voller inszenatorischer Energie und Einfühlsamkeit. Beschwört so auch den persönlichen Bezug zum Zuschauer, der nochmal selbst über seine Vergangenheit sinnen darf. - Hilfe, ich reflektiere mich wieder selbst in meinen Texten! - Das Wichtigste für Coppola demnach die Hommage, spielerisch zitiert und huldigt er die großen Legenden des Kinos, besonders essentiell dafür zum einen »The Wild One« mit Marlon Brando und Nicholas Rays »Rebel without a Cause«, insofern auch die unterschiedlichen Charaktere (als Beispiel: Brando & Dean und ihre großen Posen) referiert hierbei Coppola vorzüglich.

Während die zugegebenermaßen vereinfachte Handlung, doch noch recht clever erdacht ist. Zwei verfeindete Clans und mittendrin das »Coming of Age« - eine Neuordnung für Coppola, leidenschaftlich und sensibel nährt sich Coppola den bekannten Themen des Subgenres und dessen Problematik mit Freundschaft, Liebe und Zusammenhalt und weiterem - man kennt das. Die zwei Clans so also auch - so gesehen fast als Pflichtmotiv - als Beleuchtung zweier politischer Systeme (im Stile von Robert Wise: »West Side Story«) und ja auch das Romeo und Julia-Motiv wird von Coppola zumindest angedeutet (symbolisiert von der emanzipierten Diane Lane), wenn auch nicht (meiner Meinung nach glücklicherweise) zum Abschluss gebracht. Dieses Clansystem als Reflexion des Urkampfes zwischen Demokraten und Republikanern zu interpretieren, wäre vielleicht weit gegriffen, schließe ich aber nicht aus. Wesentlich vordergründiger zeichnet Coppola wohl auch den Klassenkampf zwischen der Unterschicht und Oberschicht der Gesellschaft und um so soziale Disparitäten aufzuzeichnen.

Sympathisiert wird mit den »Greasern« (Den Untergeordneten; der Arbeiterklasse; einer möglichen weiteren Referenz zum Kultmusical »Grease«). Wunderbar begreift Coppola auch: Die Kleinstadt als eigenes und an sich schon faszinierendes wie individuelles Filmuniversum. Unser Protagonist (empfindsam: C. Thomas Howell) eher als Träumer - eher dem Stile von James Dean nahegelegt und mit schwieriger familiärer Lage; Matt Dillon (nebenher gesagt ausgezeichnet) darf insofern dann auch als Brando-Synonym verstanden werden. Mit dem Motiv der harten Schale und weichem Kern, der zerbricht. Und als Drittem im Bunde - mehr oder weniger - Ralph Macchio als helfender Freund, wenngleich auch hier für Coppola »Rebel without a Cause« als große Referenz zu sehen wäre und dessen Charakter des »Plato«, auch Macchios Charakter zeigt dabei deutliche Ähnlichkeiten in der Gestaltung als verletzlicher, schüchternder und unsicherer Charakter, in dem sich die Problemen des Erwachsenwerdens wohl am deutlichsten reflektieren lassen, man verzweifelt und doch bewahrt man stets den Mut, dank Freundschaft. Er stellt seine Charaktere vor Prüfungen und kämpft der Angst entgegen.

Ansonsten darf ein beeindruckendes Staraufgebot (mit Sprungbrettsystem) betrachtet werden, samt im besonderen von mir erwähnten Darbietungen von Patrick Swayze, Emilio Estevez und mitunter auch Rob Lowe - und Tom Cruise (welcher die mitunter stereotypischste Rolle pflegt). Dennoch verkommen manche dieser auch nur zur blassen Randfigur. Manchmal wirkt Coppolas Film sogar etwas abrupt in der Dramaturgie, ja im Directors Cut. Sichtlich arbeitet Coppola dabei auch mit Archetypen, doch man muss verstehen für Coppola dienen diese Stereotypen als Zweck zur deutlichen Hommage an die großen Rebellenfilmen der damaligen Zeit.

Verstärkt richtet Coppola seinen Fokus schließlich dann auch auf sein Gespann von Howell, Macchio und Dillon in seiner reflekionistischen Vielfältigkeit und Dramatik wie Tragik, lässt Coppola nicht die leisen Zwischentöne und diese gewisse emotionale Menschlichkeit missen, die einen mitnimmt und mitreißt, auch wenn diese für mich  trotz allem (positiv aufzufassende) Sentimentalität vorraussetzt. Eine pure Nostalgie des großen Kinos. - ungeachtet davon, dass Stevie Wonder hemmend wirkt - andernfalls passt der idyllische Sound. Doch auch technisch wird Coppola munter (beziehungsweise: gerade dort) mit Schattenvisualisierung als Erinnerung und hinreißenden Romantik in der Bildprache wie auch an sich stilistischer Faszination mit Farbenpracht, nun Cinemascope gehuldigt.

Ein Film über Chancen, vielleicht über verpasstes Glück, über Sehnsüchte und ja über die großen, liebenswerten Stereotypen und irgendwo dazwischen das Kino. Emotional weit ausholend und doch so treffend in seiner Ambition. Viele Tränen fallen, man zeigt sich berührt. Es kommt thematisch wie es kommen muss, der Ausbruch aus dem System - zwischendrin sei gesagt Coppola geht es nicht unbedingt um Neuordnung, sondern viel mehr noch um die Vereinigung von Referenzen, Zitaten und Bekannten zu einem selbstdefinierten Eigenwillen. Einer großen Hommage an eine Zeit und ein Kino. Bestes Beispiel bleibt wohl die rebellische Schlägerei im tosenden Regen. Das ist enthusiastisch. Das ist herzzerreißend! Feurig, dreckig und wild. Schließlich darf auch nicht die Eskalation der Konflikte fehlen (wie einst in »The Wild One«). Eine Explosion des Schweigens. Am Ende letztlich wird auf Splitscreens zurückgegriffen und erinnert, ebenso vereint Coppola folglich seine gesammelten Motive. Problematisch dann nur noch das er im Schlussspurt vorher nur angedeutete Probleme aus dem Nichts aufgreift und möglichst die Thematik vollends abzudecken und somit das Verfahren hastig gehandhabt wirkt. Trotzdem, die innere Träne bleibt erhalten. Und wer möchte schon widerstehen, wenn Coppola zwischendrin noch unvergesslich den legendären »Gone with the Wind« eindrucksvoll zitiert? »Don´t let the Sun go down on me«. Ein Sonnenaufgang wie man ihn nie vergessen wird. Eine weitere Erinnerung. Pures Gold.

8.0 / 10

Autor: Hoffman